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Matilla estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Eloy de Salamanca y está diplomada en Historia del Arte por la USAL. De 1974 a 1976 asistió a los ciclos de psicología aplicada y pedagógica en la Universidad Pontificia de Salamanca.

Entró en contacto y aprendió de artistas reconocidos durante su formación: Chillida, Jerónimo Prieto, Manuel Manzanaro, Félix Felmart y Marc Tara Tessier. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas, nacionales e internacionales.

A finales de los setenta, se instala primero en Alicante y luego en las Islas Baleares, donde entra en contacto con los artistas locales. En 1986 conoce al fotógrafo alemán Reinald Wünsche, quien será el padre de su hija, y se instala en la isla, donde combina su trabajo personal con la labor pedagógica: imparte cursos de teatro y sevillanas para adultos y da clases de pintura a niños como actividad extraescolar.

A esta labor docente, Teresa suma la participación ciudadana, siendo una de las fundadoras de la Asociación de Vecinos de la Isla de Formentera (AVIF), entidad con destacada participación en diferentes movilizaciones reivindicativas, y miembro activo del Consejo de Entidades, de la Asociación de Artistas de Formentera (ADAF), y promotora del Mercado Artístico de Sant Ferran. Este año se le concedió el honor de ser nombrada Hija Adoptiva de Formentera.

Nacido en Sant Feliu de Guíxols, Girona, en 1975, Nei Albertí Gascons es un escultor cuya obra busca perpetuar y extender las formas en el espacio. Sus esculturas se caracterizan por la sencillez lineal y el uso de elipses abiertas que trazan caminos hacia el infinito.

Albert Merino es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y la Kunsthochschule Berlin Weißensee, donde se especializó en videoarte. Posteriormente realizó su postgrado como Meisterschüler bajo la tutela de la artista y profesora Inge Mahn.

Ha participado en numerosos festivales, exposiciones individuales y colectivas, residencias y ha recibido diversos premios de videoarte.

Merino crea a través de un lenguaje híbrido un amplio imaginario con el que interviene y transforma la cotidianidad, rozando a menudo el absurdo y la ironía.

Utilizando diferentes recursos gráficos, se cuestiona sobre la arquitectura de las imágenes y la capacidad de modificarlas con técnicas contemporáneas de manipulación.

Interesado en descomponer el lenguaje visual, ha experimentado con diferentes formas de narración que comprenden desde un lenguaje no narrativo, hasta la comedia o el falso documental, donde aborda desde la condición del individuo en la sociedad contemporánea hasta los imaginarios del colapso o la utilización política de imágenes y símbolos.

Merino lleva 20 años viniendo a Formentera y la obra que presentamos aquí es una puesta en escena irónica de bañistas pequeños que disfrutan de unas “playas” formadas por los charcos de los desagües y alcantarillados de la ciudad, como si se tratase de playas paradisíacas del Caribe.

Esto incita a la reflexión sobre el fenómeno del turismo, en Formentera como en otros lugares, donde las personas ignoran la degradación del entorno que provoca su comportamiento y siguen bañándose en un mar cada vez más contaminado, sin darse cuenta hasta que se quedan sin agua.

Sol Courreges se graduó en Diseño Gráfico y Bellas Artes en la Universidad de Buenos Aires. Trabajó en agencias de publicidad y en estudios de diseño en Argentina y en Estados Unidos, donde también obtuvo un máster en Arte. En 1999 estableció su propio estudio, Ideaslocus, en Sitges. En 2009 fundó Artecrearte, con la idea de reciclar elementos en desuso para crear accesorios, complementos de moda y decoración y dejar una huella. Ha participado en muestras de arte reciclado como Recicla Madrid (Caixaforum), Mercantic (Sitges), Lab Art (Asturias), Centre Grabrielet (Formentera) y Drap-Art (CCCB y Sala Perill en Barcelona, Instituto Cervantes en Beijing, Shanghái y Tokio, Re:NEW Festival en Pittsburgh…).

Actualmente combina su trabajo creativo con la gestión de varias tiendas-galería en Formentera y el artivismo para reducir la contaminación de la naturaleza por los plásticos, impartiendo talleres, editando libros, organizando exposiciones, incentivando a la gente a consumir menos plástico y mantener limpias las playas de su entorno en general.

Con su trabajo aporta una mirada crítica y comprometida a la relación que se establece entre el individuo y su entorno.

Sus fotografías y videos establecen una relación dialéctica entre lo privado y lo público, lo personal y lo político, lo individual y lo social; explorando los límites entre estos diferentes ámbitos e iluminando los mecanismos que operan en nuestras sociedades.

Esto hace referencia a las huellas difuminadas del paisaje construido, analizando diferentes procesos sociales.

El paisaje intervenido por la arquitectura oculta vestigios reveladores de las transformaciones producidas.

El paisaje actúa por tanto como un archivo, como un palimpsesto, como una memoria que debe actualizarse en el presente.

Al igual que los paisajes, los individuos que se inscriben en él también nos hablan, también nos comunican; solo con su manera de estar-en-el-mundo y de mostrarse ante él.

Por lo tanto, siguiendo el principio de la fotografía documental de Walker Evans, el fotógrafo debe “acompañar al modelo en su acto de representación.”

Con sus imágenes, el individuo muestra rasgos reveladores de sí mismo, de su origen y de su situación actual; de su historia como biografía.

Nourathar es un estudio formado por Marta Rupérez Molenveld (Madrid, 1977) y Caen Botto (Buenos Aires, 1970).

En su trabajo exploran la relación entre el ser humano y la tecnología, mediante propuestas de realidad mixta que combinan técnicas digitales con artefactos proto-cinemáticos.

Mecanisme del Present Perpetu presenta una analogía entre la “ilusión del tiempo” y la ilusión óptica contenida en la pieza.

Al igual que otras obras del dúo, esta obra se construye a partir del encuentro entre lo físico y lo virtual.

De esta manera, pone de manifiesto la capacidad de la tecnología de construir nuestra concepción del mundo, a partir del condicionamiento de la percepción. Caen Botto es un artista intermedia, músico e investigador.

Se graduó de la USAL como Musicoterapeuta en 1992; también estudió Etnomusicología (CMMF) y Composición Electroacústica (UNQUI).

Sus actividades van desde la investigación y la docencia hasta la dirección técnica y creativa de producciones artísticas y corporativas.

En el año 2000, creó Universomente, un laboratorio independiente de investigación y producción de técnicas audiovisuales experimentales para la comunicación interactiva.

Reside en Ibiza desde 2013, donde cofundó el estudio de creación audiovisual Nourathar.

Marta Rupérez Molenveld es una gestora, productora y comisaria independiente especializada en arte y tecnología.

Recibió su Máster en Administración de Artes Visuales de NYU en 2003 (beca Fulbright).

Realizó estudios de Historia del Arte, Pintura y Técnicas de Grabado en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Montevideo (hoy Universidad de Montevideo), hasta que la dictadura militar cerró la escuela.

En 1970 se traslada a España y viaja por varios países europeos y el norte de África.

En 1972 conoce Ibiza y en 1976 viaja por primera vez a Formentera, residiendo temporalmente en El Pilar de la Mola, donde conoce a artistas como Toni Tur “Gabrielet”, Guillermo Berrier y Gilbert Herreyns. Establecido en Barcelona desde entonces, compagina sus inquietudes artísticas con la restauración y el comercio de antigüedades, especializándose en objetos etnológicos de Asia y África. En 2009 regresa a Formentera, donde vive y trabaja desde entonces.

Hombrelópez, diseñador gráfico, artista urbano, agitador cultural y ser humano entrañable, está establecido desde hace muchos años en Menorca. Se mete en líos siempre que puede, creando, diseñando, exponiendo y organizando eventos, ya sea por diversión o por trabajo, y en el mejor de los casos, combinando ambos.

Anita Burdon
Tomelloso, 1977
Instagram: @streetartesticfart

Con pensamiento escultórico, combina la gestión de proyectos artísticos con la producción de obra propia. La descomposición del volumen es la meta.

En su obra, el collage y la escultura se fusionan. Apasionada del discurso de la obra, puede ser incendiaria o apagar fuegos.

Al principio, nuestros cuerpos sumergidos en un fluido, experimentaban un impulso vertical hacia arriba que era igual al peso del fluido que desalo-jábamos. Al final, nuestra masa será inferior a nuestro volumen equivalente en el fluido.

Creo que era algo así como…
E = Pe V = pf g V

Gracias Ἀρχιμήδης ὁ Συρακόσιος

Isidre Mateu es un artista polifacético que se dedica a la pintura, el collage, el grabado, la escultura, la cerámica y la joyería.

Vive en el barrio Gótico de Barcelona, donde participó como miembro activo en las reivindicaciones de la Plataforma El Borsí para el Barrio, que consiguió recuperar este edificio como infraestructura cultural para el vecindario.

Realizó estudios en la Facultad de Bellas Artes Sant Jordi, con especialidad en pintura y grabado, obteniendo la convalidación de su licenciatura en 2010.

Ha trabajado como profesor de Artes Gráficas, ha participado en numerosas exposiciones colectivas, realizado varias exposiciones individuales y ha participado en la organización de muestras internacionales, como el intercambio con artistas catalanes y japoneses y la Muestra de Arte de Marrakech, organizada por el Instituto de Cultura de España.

“Materializar la idea con un mínimo número de elementos formales y, a veces, con la participación de piezas y trozos encontrados, ha sido un ejercicio interesante, eso sí, siempre evitando en lo posible la simple ocurrencia fácil.”

Originalmente con formación en Arquitectura, el artista iraní Boback descubrió su vocación creativa en el mundo de la escultura.

En sus esculturas de metal y pinturas de alquitrán se puede ver su interés por los materiales naturales y la utilización del espacio como materia prima.

Guiado por su experiencia personal, crea obras de arte que expresan su lucha interna con la memoria y el lugar.

Sus composiciones expresan un poderoso lenguaje geométrico, que incorpora tanto el vacío como la materia.

Hay un anhelo inherente por un sentido de pertenencia y conexión que es evidente en sus esculturas públicas en Europa y en los Estados Unidos.

Ya sea trabajando en una escultura monumental de acero inoxidable o en una pintura íntima con alquitrán o acuarela, su atención se centra en las expresiones compositivas utilizando la exuberancia geométrica como expresión del mundo que ve a su alrededor.

Boback exhibe su obra en galerías de Europa, Estados Unidos y México.

Sus esculturas públicas monumentales se pueden ver por todo el mundo en lugares como París (Francia), Puerto Vallarta, México y en ciudades de California, Colorado, Oregón y Washington.

En su adolescencia, Indira comenzó a interesarse por la arquitectura y desarrolló una profunda pasión por la fotografía. Más tarde, obtuvo su Licenciatura y se adentró en la fotografía.

Desde entonces, ha seguido su pasión por la fotografía con exploraciones en otros formatos como técnica mixta, instalación, vídeo experimental y, desde 2015, el tejido de metal.

Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente en presentaciones colectivas e individuales, incluyendo The de Young Museum, Root Division, Mission Cultural Center, San Francisco Symphony, en Estados Unidos y en el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, Casa Museo Pablo Neruda en Chile. Fue invitada a la VII Bienal de Arte y Diseño en España y en la Galería del Aeropuerto Internacional de Fontecchio en Italia.

“Mi trabajo habita en la relación entre el tejido social y la interacción, para crear una conversación y narrativas de historias para encontrar un nuevo sentido.”

“El arte me da la libertad de explorar mi yo interior, yuxtaponiéndolo con mi yo externo.”