Archivos: Talents

Ladislas Chachignot es un artista francés establecido en Barcelona. Después de estudiar Historia, Arte y Comunicación Visual en Marsella, Francia, comenzó a trabajar directamente como artista digital e ilustrador independiente. Lleva más de 10 años dirigiendo su propio estudio, LadislasDesign. Está especializado en el “Surrealismo Pop”, con una visión ecologista y biocéntrica que él mismo define como “Ecosurrealismo”.

Consciente de la emergencia climática, utiliza sus herramientas creativas y artísticas para que su obra gire en torno a una visión singular e imaginaria de reconexión entre lo humano y la naturaleza. De esta manera, reivindica la necesidad de preservar y cuidar el medio ambiente. También quiere utilizar esta visión y su arte para colaborar con personas, marcas, organizaciones y proyectos para concienciar y sensibilizar sobre la protección del medio ambiente.

En 2022, después de más de 2 años de trabajo, mano a mano con la ONG Pangea Seed Foundation, se publica un proyecto muy especial para Ladislas: el libro Sea Change.

Alacalle es el estudio de diseño de Maria Molsosa Fabrés y Gustavo Germain Ariello, una diseñadora catalana y un artesano argentino, que se conocieron colgados de un trapecio y decidieron formar una familia juntos, su primer proyecto creativo en tierra firme. Durante los primeros años de crianza nació también el proyecto Alacalle, con la idea de comunicar a través de acciones creativas con un claro compromiso medioambiental.

Actualmente trabajan exclusivamente con la recuperación de materiales y lo que, al principio, era un rasgo anecdótico de su trabajo, hoy se ha convertido en el punto de partida, su razón de ser y su manera de hacer. Para ello, dan la vuelta a los materiales y objetos buscando nuevos usos y utilidades para alargar su ciclo de vida y, así, transformarlos de nuevo en recursos. Con esta mirada y a través del diseño y la recuperación, crean piezas de mobiliario, iluminación, objetos de decoración, artesanía, complementos e incluso campañas de comunicación o instalaciones artísticas.

“Transformar los objetos, darles una nueva vida, es una manera de transformar también el mundo en el que vivimos y la forma en que nos relacionamos con él. Cambiar nuestra mirada nos ayuda a tomar otra conciencia, darle otro valor a las cosas y cambiar así la forma de producir y consumir. Estamos seguros de que, a través de pequeños gestos individuales, entre todos, podemos lograr grandes cambios a nivel colectivo.”

“Nos mueve la convicción de que hay otras maneras de vivir, de producir y de consumir, que el cambio es, no solo posible, sino urgente y necesario para sobrevivir en este mundo. Nuestras inquietudes personales, nuestro compromiso tanto social como ambiental, nuestros valores y nuestra conciencia nos han llevado a embarcarnos en este proyecto creativo basado en el diseño sostenible y responsable.”

Daniel Bornmann es un artista de Hamburgo, Alemania, que crea nuevos valores a partir de “residuos.” Al reutilizar botellas de PET, construye instrumentos musicales llamados flairdrums, que, al presionarlas, crean una experiencia musical única, exótica y sostenible.

En el festival Drap-Art’22, Daniel Bornmann realizó un taller en el que enseñó a los participantes cómo construir su propio flairdrum.

Desde 1987, Jordi Prat Pons ha realizado más de 60 exposiciones individuales, ha participado en más de 100 muestras colectivas y en 30 ferias internacionales. Trabaja la técnica del collage desde hace 33 años. Utiliza sobre todo etiquetas de botellas, pósters y carteles viejos, que recupera de la calle y utiliza según la textura y el color para crear obras que parecen ser pintadas con un cierto realismo, de manera que de hecho no se parecen a los collages convencionales.

Con el tiempo, a estos collages que parecen pinturas, ha ido incorporando objetos como chapas, paquetes de tabaco o latas, acercándose al ensamblaje. Actualmente ha iniciado un nuevo proyecto de creación de instalaciones de gran formato que parecen murales de Pixel Art, con libros descartados, que se encuentran ubicados durante el Festival Drap-Art en Las Ramblas. Según él, utiliza la “cultura para hacer cultura.”

Ilaria Sansotta es librera y artista plástica. Fundadora de la librería de libros antiguos LaDolceVita en Barcelona. Proviene del mundo de la restauración de libros en Italia y siempre ha experimentado con las posibilidades creativas del papel y materiales relacionados. Ha participado en Art Libris 2021 y 2022 (Barcelona), Rocart 2021, Festival de Arte y Cultura (Peñíscola), Drap-Art’21 (Barcelona), el Festival del Libro de Artista 2022, y el Centro Cultural La Bóbila (Hospitalet).

Las obras de Ilaria Sansotta son una invitación a la reflexión sobre el delicado equilibrio de la Naturaleza, que necesita de nosotros para ser preservada. Al mismo tiempo, el uso del libro abierto simboliza el proceso creativo y el nacimiento y desarrollo de las ideas. La obra que presenta es como una flor dentro de un frasco de cristal. La flor ha sido realizada utilizando un libro cortado: las hojas de la flor se han conseguido doblando las tapas en cuero y los pétalos de la flor son las mismas páginas abiertas del libro. Al abrir un libro, nace una flor, una historia, una vida. La tierra y sus nutrientes minerales también están presentes en el frasco; así como los rayos del sol, que descienden como filamentos desde el tapón de corcho del frasco.

“La naturaleza es la fuerza elemental del mundo, sagrada y eternamente creadora, que a partir de sí misma genera y produce activamente todas las cosas.” — Alexander von Humboldt (Pionero del pensamiento ecológico y uno de los primeros en escribir sobre el cambio climático).

Servera es un artista visual multidisciplinar, diplomado en arquitectura técnica, establecido en Barcelona. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas. Es editor de tres volúmenes monográficos: Faroleres (Editorial Stonberg), Sabates nàufragues y Paisatges de l’ànima (Sa Nostra) y otras publicaciones. Ha ganado diferentes premios en fotografía, grabado y pintura, y es fundador de Biribotis, desde donde realiza actividades artísticas y talleres creativos plásticos para niños, niñas y adultos, en museos, eventos y centros culturales. Trabaja como profesor en la escuela TRAÇ de Barcelona desde 2013.

“Interpreto el mar y su entorno en su magnificencia de manera espontánea, vital y, a veces, caótica. Además, me sirve como telón de fondo para dar visibilidad a lo que sucede en nuestro entorno y generar una reflexión sobre los efectos medioambientales que sufre a causa de la huella humana.”

Con formación en Bellas Artes, Diseño de Moda, Arte Publicitario e Interiorismo, Jana Álvarez va más allá de las etiquetas artísticas, porque para ella todo es multidisciplinario. Para ella, la idea y el material “eligen” la técnica, el formato y la forma de expresión.

Cuenta con una amplia experiencia profesional como diseñadora de moda para otras marcas, como creativa en publicidad, freelance en ilustración y pintura, atrezzo para productoras de cine y TV, y proyectos de interiorismo: Purificación García, Antonio Miró, Custo BCN, Bassat Ogilvy, Editorial Murdoch, Boca Films, Productora Zeppelin, TV3, Canal+ Francia, Juegos Olímpicos 92, Ballet Nacional de Cuba, cadena de hoteles Hilton, obras de teatro alternativo, Médicos sin Fronteras, C.G.T., etc.

Tiene un amplio recorrido en exposiciones nacionales e internacionales, tanto individuales como colectivas (Barcelona, Sitges, Santander, Madrid, Menorca, Málaga, Almería, Bilbao, León, Asturias, Valencia, París, Nantes, Londres, Roma, Berlín, Pekín, Tokio, Uruguay, Pittsburgh, Los Ángeles, Santa Fe, etc.), algunas de ellas con Drap-Art, con el que colabora desde sus inicios en 1996, de manera ininterrumpida.

Su motivación tanto artística como personal en el día a día es reutilizar para llegar al 0 waste. Es crítica con la sociedad de consumo, inconsciente y desligada, que nos lleva a la extinción natural, social y económica.

“Este capitalismo es insostenible, deja residuos, desastres de todo tipo y ruinas a su paso. No hay casi ningún material que sea ‘limpio’ o que, a estas alturas, por natural que sea, no repercuta negativamente en los ecosistemas. Por eso yo reutilizo objetos y materiales de cualquier composición y tipología rechazados para darles ‘mil vidas’, no solo dos, aunque los tenga que reciclar hasta su total desintegración. De derrota en derrota hasta la victoria final. El cambio es posible.”

Ramiro Sobral vivió gran parte de su vida en Tucumán, Argentina. En 2007 llegó a Barcelona, donde en 2013 abrió su bicicletería, El Ciclo, en el barrio Gótico. Allí surgió la idea de crear una colección de lámparas con las partes sobrantes de bicicleta que se acumulaban en su taller. A lo largo de los años, ha reciclado miles de piezas de bicicleta.

Con este proyecto, que ha denominado Bicicletas que van ver la luz, intenta recuperar, reciclar y reutilizar estas partes de bicicletas antiguas y usadas para darles una nueva vida. Poco a poco, fue creando una colección de todo tipo de lámparas, compuestas por partes de bicicleta como radios, discos de freno, cadenas, etc. Aunque ninguna lámpara se repite, el origen de sus componentes se detecta a simple vista. Además de las lámparas, ha comenzado a realizar algunas piezas de mobiliario, como los taburetes que exponemos aquí.

Bruchstein, autodidacta, busca establecer una estrecha relación con sus sujetos. La relación comienza con una invitación al estudio, seguida de una breve entrevista para determinar quién encaja mejor en el proyecto. Hasta el momento, ha invitado a decenas de personas, con las que ha pasado horas, si no días, cultivando la proximidad y la intimidad hasta sentir su confianza con él y la cámara. En este momento, les pide que se revelen gradualmente, capa por capa, física y mentalmente, mientras los cubre con maquillaje como una máscara: se esconde de un lado y se revela y descubre por el otro.

Durante las sesiones de fotos, ha hecho cientos de fotos en un intento de capturar el momento preciso y la expresión que se ajusta a su visión. Su objetivo es trasladar a la superficie las emociones internas: cuerpo, rostro, gestos y expresión. Bruchstein utiliza luces y sombras para enfatizar el estado de ánimo y las emociones mientras borra los límites. Los colores y las capas de maquillaje se utilizan como accesorios para expresar la fuerza interior de sus modelos y difuminar la línea entre lo interior y lo exterior.

Los personajes de Bruchstein interactúan con la Historia del Arte, así como con las figuras andróginas contemporáneas. Tienen erotismo, pero es asexual. Las fotos son minimalistas y, sin embargo, llenas de color, contraste y seducción. Los sujetos suelen ser fotografiados con los ojos cerrados, atrapados en su mundo imaginario.

Ulrike Koeb vive y trabaja en Viena, Austria, como fotógrafa de alimentos y naturalezas muertas. Después de trabajar como asistente de fotógrafos de renombre, realizó varios másteres en fotografía en Maine y Nuevo México, EE.UU. Estos tuvieron un gran impacto en ella y le dieron el impulso para dedicarse a la fotografía artística. Entre otras cosas, ha investigado intensamente con técnicas en blanco y negro, como las impresiones de platino-paladio, que a veces colorea. Su sensibilidad y pasión por el color y la forma son una parte integral de sus obras. Además de proyectos comerciales para libros y revistas, sus fotografías también han aparecido en muchas otras publicaciones.

Su trabajo ha sido mostrado en exposiciones colectivas e individuales en lugares como Omán, Inglaterra, Corea del Sur, Países Bajos, Hungría, Finlandia y, más recientemente, como parte del Festival de la Imagen en Amán, Jordania.

El proyecto r e d u c e / r e u s e / r e c y c l e, al que pertenecen las obras expuestas en Drap-Art, consta de imágenes seductoras, a veces irritantes, realizadas a partir de alimentos, objetos encontrados y material de embalaje, principalmente plástico. También utiliza productos comestibles en descomposición. Con ellas pretende sensibilizar al espectador sobre la “sociedad de usar y tirar” y la amenaza masiva resultante para el medio ambiente. La naturaleza no produce residuos; funciona en un ciclo circular, que el modelo regenerativo de la economía circular ha adoptado con el fin de reducir residuos y emisiones. Los materiales, dispositivos electrónicos y ropa que ya están producidos deben ser utilizados, reparados y transmitidos el mayor tiempo posible o ser compartidos. Nuestro comportamiento de consumo debe cambiar progresivamente, lo antes posible. Todos debemos poner de nuestra parte para que esto suceda. Solo tenemos un planeta, pero estamos actuando como si tuviéramos varios de recambio.